Lịch sử âm nhạc của thời kỳ hiện đại

Thế kỉ XX là một thời kì thử nghiệm lý thú khi âm nhạc đi theo nhiều hướng khác nhau. Thách thức cuả các nhạc sĩ đã tạo ra phong cách và âm thanh mới. Đầu thế Kỉ XX đánh dấu cho sự thay đổi nhanh chóng về phong cách âm nhạc với những bản nhạc sôi động vậy nguồn gốc của sự thay đổi này, phong cách biểu diễn mới lạ đó bắt đầu từ đâu. 
 

Công nghệ đang thay đổi thế giới, những nghệ sĩ bắt đầu có những phản ánh về sự thay đổi trong tác phẩm mà họ đưa ra. Họ đã loại bõ những quy cũ những quy tắc lâu đời đã thống trị trong nhiều thập kỉ, các nhà soạn nhạc đã thay đổi những quy tắc trong âm nhạc và tìm ra các đề tài mới, táo bạo và những cách thức thể hiện mới.
 

Tại thời điểm chuyển giao thế kỷ, phong cách âm nhạc lãng mạng rất đặc trưng. Nhà soạn nhạc như Gustav Mahler, Richard Strauss và Jean Sibelius đã đẩy mạnh giới hạn của các bản giao hưởng lãng mạn. Đồng thời, các trường phái ấn tượng, dẫn đầu bởi Claude Debussy, đang được phát triển tại Pháp. Nhiều nhà soạn nhạc đã phản ứng với những phong cách Lãng mạn rất ấn tượng và đi theo hướng hoàn toàn khác. Thời điểm quan trọng nhất trong việc xác định quá trình âm nhạc trong suốt thế kỷ này là các sắc điệu truyền thống, thực hiện bằng nhiều cách khác nhau của các nhạc sĩ khác nhau trong thập niên đầu của thế kỷ này.
 

Sau khi Chiến tranh thế giới thứ nhất, nhiều nhạc sĩ bắt đầu quay trở lại quá khứ để tìm cảm hứng và viết các tác phẩm vẽ các yếu tố (hình thức, sự hài hòa, giai điệu, cấu trúc) từ nó. Đây là loại hình âm nhạc tân cổ điển . Igor Stravinsky (Pulcinella và Symphony of Psalms), Sergei Prokofiev (Symphony Classical), Ravel (Lê Tombeau de Couperin) và Paul Hindemith (Symphony: Mathis der Maler) tất cả các công trình âm nhạc tân cổ điển được sản xuất.
 

Trong đó có nhà soạn nhạc tự học người Áo Choenberg  đưa âm nhạc phương Tây sang một chiều hướng mới hoàn toàn. Ông không màng đến những sáng tác theo thị hiếu chung mà là cốt lõi của sự phát triển cá tính trong âm nhạc. tại thời điểm đó các tác phẩm của ông đều bị chê bai, nhưng sau này đó lại là cảm hứng cho các nhà soạn nhạc tương lai.
 

Tại thời điểm chuyển giao thế kỷ, âm nhạc đặc trưng  trong phong cách ở cuối thời kì lãng mạn. Nhà soạn nhạc như Gustav Mahler, Richard Strauss và Jean Sibelius đã đẩy mạnh các giới hạn của văn bản giao hưởng lãng mạn. Đồng thời, các trường phái ấn tượng, dẫn đầu bởi Claude Debussy, đang được phát triển tại Pháp. Thuật ngữ này thực của Debussy: “Tôi đang cố gắng để làm” một cái gì đó khác nhau trong một cách thực tế, những gì các imbeciles gọi ‘ấn tượng’ là một thuật ngữ được sử dụng như là kém nhất có thể, đặc biệt là các nhà phê bình nghệ thuật “(Politoske và Martin 1988, 419) -và nhạc Maurice Ravel, cũng thường được gắn nhãn với thuật ngữ này.
 

Nhiều nhà soạn nhạc đã phản ứng với những phong cách Lãng mạn, ấn tượng và đi theo hướng hoàn toàn khác. Thời điểm quan trọng nhất trong việc xác định quá trình âm nhạc trong suốt thế kỷ này là khoảng rộng với các sắc điệu truyền thống, thực hiện bằng nhiều cách khác nhau của các nhạc sĩ khác nhau trong thập niên đầu của thế kỷ này. Tại Vienna, Arnold Schoenberg phát triển atonality, ra khỏi chủ nghĩa biểu hiện nổi lên trong những năm đầu của thế kỷ 20. Sau đó, ông đã phát triển kỹ thuật mười hai tông màu được phát triển thêm bởi các môn đệ của Alban Berg và Anton Webern; nhà soạn nhạc sau này (bao gồm Pierre Boulez) đã phát triển nó hơn nữa vẫn còn (Ross 2008, 194-96 và 363-64). Stravinsky (trong tác phẩm cuối cùng của ông) khám phá kỹ thuật mười hai tông màu, thậm chí Scott Bradley sử dụng các kỹ thuật về điểm số của mình cho phim hoạt hình Tom và Jerry (Ross 2008, 296).
 

Sau khi Chiến tranh thế giới thứ nhất, nhiều nhạc sĩ bắt đầu quay trở lại quá khứ để tìm cảm hứng và viết các tác phẩm vẽ các yếu tố (hình thức, sự hài hòa, giai điệu, cấu trúc) từ nó. Đây là loại hình âm nhạc do đó đã trở thành tân cổ điển có nhãn. Igor Stravinsky (Pulcinella và Symphony of Psalms), Sergei Prokofiev (Symphony Classical), Ravel (Le Tombeau de Couperin) và Paul Hindemith (Symphony: Mathis der Maler) tất cả các công trình tân cổ điển được sản xuất.
 

Nhà soạn nhạc Ý như Francesco Balilla Pratella và Luigi Russolo phát triển chủ nghĩa pha màu âm nhạc. Phong cách này thường cố gắng để tái tạo âm thanh hàng ngày và đặt chúng trong một  bối cảnh âm sắc khác nhau. Các “Máy âm nhạc của George Antheil (bắt đầu với phiên bản Sonata của mình Thứ hai, “The Airplane”) và Alexander Mosolov (nổi tiếng nhất của ông Sắt Foundry) phát triển ra ngoài. Quá trình mở rộng vốn từ vựng âm nhạc bằng cách khám phá tất cả các tông màu có sẵn đã được đẩy xa hơn bằng việc sử dụng các Microtones trong tác phẩm của Charles Ives, Julián Carrillo, Alois Haba, John Foulds, Ivan Wyschnegradsky, và Mildred Couper số nhiều người khác. Microtones là những khoảng thời gian này nhỏ hơn một semitone; tiếng nói của con người và các chuỗi unfretted có thể dễ dàng tạo ra chúng bằng cách đi trong giữa những nốt nhạc “bình thường”, nhưng nhạc cụ khác sẽ có thêm khó khăn khi piano và organ không có cách nào để sản xuất chúng, ngoài returning .
 

Trong thập niên 1940 và thập niên 50 các nhà soạn nhạc, đặc biệt là Pierre Schaeffer, bắt đầu khám phá các ứng dụng công nghệ vào trong nhạc. Các nhạc điện tử sau này được đặt ra để bao gồm tất cả các hình thức âm nhạc liên quan đến băng từ, máy vi tính, tổng hợp, đa phương tiện, và các thiết bị điện tử và kỹ thuật.  m nhạc điện tử sử dụng âm thanh điện tử sống trong một buổi biểu diễn (như trái ngược với những âm thanh xử lý trước. Cartridge nhạc Cage là một ví dụ sớm.
 

Những nhà soạn nhạc thành công là những người đã tìm được một nền tảng ở giữa đi theo sự thay đổi trong khi vẫn phù hợp với cái nhìn của chính mình và giữ được tình cảm của thình giả.
 

Âm nhạc hiện đại đánh dấu cho sự phát triển vượt bậc của nền âm nhạc xảy ra xung quanh chúng ta vào khoảng thế kỉ XX đây là khoảng thời gian nền âm nhạc đã được đổi mới về tổ chức và tiếp cận hòa âm, âm thanh du dương và nhịp nhàng hơn

Trong thế kỉ XX các nhạc sĩ bắt đầu thử nghiệm với các nhạc cụ bộ gõ và được sử dụng tiết tấu theo nhiều cách mới trong cả nhạc cổ điển và dòng nhạc hiện đại chúng mới xuất hiện. Tuy nhiên một trong các nhóm nhạc cụ bộ gõ này những chiếc trống đã được sử dụng khắp thế giới từ thời tiền sử và xuất hiện với mọi hình dáng và kích cỡ.
 

Âm nhạc dân gian cũng là một nguồn cảm hứng lớn cho nhiều nhà soạn nhạc khác. Tại nước Anh, Vaughan Williams trộn lẫn những âm thanh của những bài hát truyền thống và âm nhạc nhà thờ với những tàn dư của thời kỳ lãng mạn. Nhà soạn nhạc người HungaryBéla Bartók, giống như Stravinsky, đã viết ra âm nhạc độc đáo dựa trên những nhịp điệu dân ca tiết tấu nhanh của đất nước quê hương. Cả Vaughan Williams và Bartók đều tích cực tập hợp những bài ca dân gian, viết chúng ra hoặc ghi âm chúng lại. Một nhà soạn nhạc khác là Messiaen lại sưu tầm những tiếng chim hót mà sau này ông sử dụng trong âm nhạc của mình.